La Duendes. editora de historietas

HACIA UN NUEVO ARTE

2012-02-08T01:01:00.000-03:00

Para Maurice Horn el dibujo animado participa del cine sólo en cuanto al soporte técnico, pero su propuesta estética se nutre de las historietas y el humor gráfico.

Ese concepto fue funcional en un principio, pero luego la animación se independizó y tomó vuelo propio alejándose del género de los cuadritos.

Sin embargo, Las aventuras de Tintín, de Steven Spielberg, realizada en animación 3D y con la técnica capture motion, retoma la historieta como fuente de inspiración.

Ante todo demos algunos datos sobre esta serie tan lograda y exitosa que apareció en 1929 en Le Petit Vingtième. Su creador fue el belga Georges Remi (1907-1983), que utilizó el seudónimo Hergé: se trata de sus iniciales invertidas (G.R.) pronunciadas en francés.

Dio lugar a veinticuatro álbumes y a la fundación de “la línea clara”, que utiliza colores lisos, sin sombreados ni matices, reemplaza el trazo expresivo por contornos de un grosor uniforme, y sus personajes de rasgos humorísticos se mueven de izquierda a derecha rodeados de un entorno realista fiel hasta lo maniático (aviones, barcos, trenes, autos). Como el mismo Hergé lo manifestó, la finalidad de ese estilo era alcanzar una narración precisa: “Crear un comic, para mí, es, ante todo, narrar una historia”. Se menciona que, en los comienzos, su grafismo estuvo influido por Winsor McCay y George McManus.

El otro elemento es el fabuloso mundo de la aventura. A Hergé se lo considera heredero de Julio Verne y de Robert Louis Stevenson, y sus historietas siempre abrevaron del misterio, de los viajes a lugares exóticos y de la búsqueda de tesoros ocultos. A ello se pueden agregar los contundentes gags, como también los simpáticos personajes que rodean al joven periodista Tintín: el capitán Haddock, los detectives Hernández y Fernández, el profesor Tornasol (que no aparece en este filme) y la inefable Bianca Castafiore. Y, por supuesto, el perrito Milú, su mascota, una estrella de la serie que lo acompañó en todas sus peripecias.

Spielberg y el productor Peter Jackson asumieron apasionadamente el desborde imaginativo de Hergé para ofrecernos una película que conjuga las maravillas del cine y de la historieta a través de la captura de movimiento. Pero antes corresponde hablar del antecedente de este procedimiento: el rotoscopio, que fue ideado en 1912 por los hermanos Max y Dave Fleischer, y que consiste en dibujar sobre secuencias filmadas con actores, animales y escenarios reales, para obtener así una mayor naturalidad en los movimientos de los personajes.

En cambio, el motion capture -o captura de movimiento- fue plasmado con calidad en los personajes na`vi de Avatar (2009), de James Cameron. Después de filmar a los actores con una serie de artefactos (cascos, marcadores, cableados y trajes especiales), se traduce el resultado a un modelo digital sobre el cual trabajan los animadores.

Y surgen en el filme de Spielberg imágenes de fascinante belleza, como la presentación, los primeros planos que muestran el accionar de un carterista, las escenas del imaginario país árabe, las del desierto, las de los piratas en el mar. El espectador asiste a la proyección de un mundo nunca visto, con encuadres maravillosos, una potente dinámica de montaje y un ritmo de acción alucinante. El impecable guión narra el sortilegio de las aventuras que figuran en tres álbumes de la saga: El secreto del Unicornio, El cangrejo de las pinzas de oro y El tesoro de Rackham el Rojo.

Es como si el mágico mundo de fantasía de Georges Méliès hubiese retornado aggiornado y de la mano de la historieta.

Germán Cáceres

Desde España, dos tristes noticias para la historieta

2012-02-06T12:45:00.004-03:00

Para quienes leemos, escribimos o dibujamos historietas, ciertas noticias causan estupor, descolocan. Dos de estas noticias provienen de España.

Alvaro Pons, autor del blog de noticias, análisis y crítica de historieta “La cárcel de papel”, ha anunciado que lo cierra y se aleja para dedicarse simplemente a disfrutar como lector. Su sitio, para aquellos que lo seguíamos como lectores, se había transformado en uno de los principales referentes dedicados al lenguaje de la historieta, de habla hispana. Entre muchos otros aspectos, algo que merece destacarse de los textos de Pons, es la claridad y notable profundidad de sus análisis. Su notable conocimiento sobre el lenguaje de la historieta, dotan (dicho en presente porque sus textos quedan en Internet para ser leídos) a sus textos de una gran riqueza, comprendiendo en sus análisis tanto a historietas del pasado como del presente, a obras de los más diversos géneros y autores clásicos como de vanguardia. Sus textos de análisis aportan al conocimiento, a la comprensión, a valorizar y desentrañar el lenguaje.

Las veces que algunos de sus textos generaron polémica entre sus lectores, buscó levantar el nivel de discusión cuando este decaía en la crítica fácil, en la opinión sin argumento, tan propicia a darse en Internet. Esto es algo que también merece destacarse, el buscar siempre subir el nivel de análisis y discusión. En ese sentido, el suyo es un ejemplo a seguir.

Una gran pena la noticia del cierre de “La cárcel de papel”. El lenguaje de la historieta pierde a un gran analista y crítico.

Para los lectores de historietas que aún no lo conocían, les recomendamos que se den una vuelta por el sitio y lean sus textos. Van a salir enriquecidos y en cierto modo verán ejemplos de cómo debe hacerse buena crítica y análisis de historieta, con amplitud y seriedad.

Ojalá que el cierre sea solo temporal.

La serie "Hombre", de Segura y Ortiz, en Címoc.

Otra triste noticia es el fallecimiento del guionista español Antonio Segura. Los lectores argentinos, de más de treinta años en adelante, pudimos disfrutar de su obra a través de las revistas que llegaban en los años 80, como Metropol, Címoc o Zona 84. Notable fue la dupla que conformaban con el dibujante José Ortiz, a través de series memorables como “Hombre” y “Burton & Cyb”. Se lo va a extrañar.

Para leer más sobre el fallecimiento del autor y una entrevista al mismo, en Entrecomics

Dos de los últimos títulos editados por LA DUENDES

2012-02-03T18:27:00.013-03:00

Los libros “Alfredo Grondona White” y “Limura” forman parte de las ediciones de LA DUENDES “JA colección Humor”.
Ambos libros compilan series de los dos maestros de la historieta y el humor gráfico argentino.

Libro Limura. JA colección humor2. 98 pags.

Jorge Limura es uno de los grandes autores de la historieta y el humor gráfico argentino, cuya obra transitó por míticas revistas como Tía Vicente, Tío Landrú, Satiricón, Mengano, Humor, Súperhumor, Humi, El péndulo o la vieja Fierro.

Este libro recupera para los lectores dos series que marcaron época: Fuerte Brgitte y Vida de Indios. Incluye entrevista y texto teórico sobre obra del autor.

Muestras del contenido

Para ver trabajos de Limura, publicados en Historieta Patagónica

Libro “Alfredo Grondona White”. Ja colección humor 1. 88 pags.

Alfredo Grondona White es uno de los maestros del humor gráfico argentino, desempeñándose tanto en los formatos viñeta unitaria como el de historieta. Su trayectoria ostenta colaboraciones en revistas hoy míticas como Dibujantes, Hipotenusa, Chaupinela, El ratón de occidente, Satiricón, Mad, Humi, Fierro (primera época), Súperhumor, El Péndulo, El Periodista y Humor.

Si algo caracteriza a sus trabajos, es el análisis crítico de las costumbres de los argentinos, como las que plasmó durante años en la revista Humor.

Este libro compila historietas de humor y satíricas, viñetas humorísticas y episodios de la serie Bespi, publicados previamente en las revistas Humor, Humi, Súperhumor y Berp (Uruguay).

Muestras del contenido

Trabajos de Grondona White publicados en Historieta Patagónica

Entrevista: Alberto Breccia (segunda parte)

2012-01-26T01:01:00.000-03:00

UN TIPO EN CAMISETA

Por Germán Cáceres

Nació en Montevideo, Uruguay, en 1919, y se radicó en la Argentina desde muy pequeño. Comenzó su carrera historietística en Editorial Lainez. Entre 1947 y 1949, sucedió a Emilio Cortinas en Vito Nervio (guión de Leonardo Wadel), una extraordinario suceso.
En dupla con Héctor G. Oesterheld alcanzó memorable creaciones como Sherlock Time, Doctor Morgue, Mort Cinder, Richard Long, una versión de El Eternauta, varios episodios de Ernie Pike y, junto a su hijo Enrique, la Vida del Che.
Con textos de Carlos Trillo realizó Un tal Daneri, El viajero de gris y Buscavidas.
Es famosa su versión de Los mitos de Cthulu, de Howard P. Lovecraft, guionada por Norberto Buscaglia. Otras memorables adaptaciones de obras literarias son La pata de mono, de W. W. Jacobs, La gallina degollada, de Horacio Quiroga, y El corazón delator, de Edgar Allan. Poe. También llevó a los cuadritos a Giovanni Papini y a Jean Ray, y graficó una sátira de Drácula, de Bram Stoker.

Alberto Breccia

Con guión de Juan Sasturain dibujó Perramus. Su producción se publicó en Europa, donde ha deslumbrado. En 1990 la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires le rindió homenaje organizando una muestra de su obra.
Actualmente está adaptando el Informe sobre ciegos, de Ernesto Sábato, y, a pedido de la Comisión del V Centenario, dibujando la Vida de Lope de Aguirre, con guión de Carlos Albiac.
Premios recibidos: Editorial Dante Quinterno, Comisión Nacional de Cultura, Cinzano, Yellow Kid en Lucca 9, Gran Premio del Cuarto Salón de la Historieta-Ilustración en Barcelona 1984, Sarrasqueta (ciudad de Córdoba), Plaqueta de la Asociación de Dibujantes de la Argentina, Premio Amnesty Intercional, Bruselas, 1988.
(Falleció el 10.11.1993).

Página de Mort Cinder, con guión de Oesterheld. Del libro Breccia Negro, edic. Record, 1978.

G.C.: Sherlock Time se destacó por el clima opresivo que obtenía de Buenos Aires y sus zonas suburbanas. Además, proponía una original mezcla de ciencia ficción y policial. ¿Qué recuerdos le trae esta historieta?

A.B.: Es nostalgia pura; allí ensayé con timidez algunos efectos gráficos. Digo con timidez porque trabajé siempre por encargo en revistas cuya política editorial era cerrada, dónde no había posibilidad alguna de experimentar. En cambio, la editorial de Héctor daba absoluta libertad de creación. Sherlock Time me trae recuerdos muy agradables. Con todo, considero que es una historieta mediocre.

Alberto Breccia dibujado por su hijo Enrique, en la serie El Sueñero.

Página de Sherlock Time, con guión de Oesterheld.

G.C.: Usted también es humilde.

A.B.: No, soy realista.

G.C.: Richard Long es otra cumbre. En sólo tres páginas narra una amarga historia de amor. Por otra parte, usted se lanzaba de lleno a la experimentación gráfica. ¿Hubo algún cambio de ideas con Oesterheld?

A.B.: Es una historieta muy curiosa. Cuando la revista Karina nos propone Richard Long para su suplemento, yo hacía cinco años que no dibujaba. Acepté el trabajo por una cuestión de dinero, pero lo iba postergando porque tenía miedo. Hasta que un sábado me acorralan: había que entregar la historieta el lunes. Y justo ese sábado me saco una muela. La extracción es dolorosa, se me hincha la cara y tengo fiebre. Entonces para ahorrar tiempo recurrí al collage y suprimí veinte cuadros al guión. Estas decisiones se debían a la necesidad de terminar rápido y no a una genialidad.

Página de Perramus, con guión de Sasturain.

G.C.: El dolor de muelas lo favoreció. Se dice que el azar juega un papel muy importante en la investigación científica. Parece que en el arte también.

A.B.: Ocurre que las cosas se mistifican y después se descubre que detrás del mito siempre hay una vulgaridad, un tipo en camiseta.

G.C.: ¿Qué nos puede decir de la Vida de El Che, una historieta poco conocida?

A.B.: Fue una propuesta de la Editorial Jorge Álvarez, que entonces arrasaba el mercado con libros de autores argentinos. El primer argumento no anduvo: siempre Héctor necesitaba dos intentos. Por una razón: era un hombre agobiado de trabajo que solía escribir en los cafés o en la Biblioteca Lincoln. Hay un encabezamiento con cuadros en blanco que todo el mundo calificó como genial y se trató de una pavada: en la infancia de El Che tenía que poner su partida de nacimiento, pero no pude porque no me llegó a tiempo y por eso quedaron los cuadros en blanco. La historieta tuvo sobresaltos: no dio dinero, la secuestraron y La Nación escribió un editorial bastante lapidario.

Página de Armas de fuego, en la revista Patoruzito 808.

G.C.: En la historieta intervino su hijo Enrique.

A.B.: Él hizo toda la parte de Bolivia: yo la dibujé desde el nacimiento de El Che hasta que empieza la etapa boliviana.

G.C.: ¿Qué piensa del resultado artístico de la historieta?

A.B.: El trabajo de Enrique es realmente brillante. El mío es testimonial, no podía ser de otra manera porque aparecían personajes como Goulart, Frondizi, Mao. Es una historieta bien hecha, la vio la viuda de El Che y le gustó muchísimo.

Adaptación de El ojo delator, de Poe, del libro Breccia Negro, edic. Record.

G.C.: La colaboración con Oesterheld, ¿marcó de alguna manera su producción posterior?

A.B.: Oesterheld representó en mi carrera una rampa de lanzamiento. Me proporcionó unos guiones tan motivadores que abrió muchas cosas que estaban latentes en mí pero que no habían tenido oportunidad de aflorar.

G.C.: ¿Qué opina de la obra de Oesterheld?

A.B.: En su conjunto es insuperable. Si empezamos a desmenuzarla habrá cosas más flojas otras más brillantes, pero eso es lógico en la obra de cualquier creador. Oesterhel fue un hombre que marcó la historieta, y ésta es antes y después de él porque la revolucionó a nivel mundial.

Página de Buscavidas, con guión de Trillo, en revista Súperhumor 11, 1981.

G.C.:¿Su concepción plástica de la historieta está influida por la pintura?

A.B.: Trato de expresarme con la mayor profundidad. Para eso recurro a procedimientos que no son habituales en la historieta. Uso infinitos recursos que ponen en peligro de publicación a mis historietas. Porque ese sentido plástico que usted cita hace que los editores no las compren. Ahora estoy adaptando el Informe sobre ciegos que es una historieta audaz, pero me va a costar venderla. No es tradicional porque no se puede ilustrar Sábato como se ilustra una historieta del Oeste. Ha que apelar a otros medios gráficos para expresar lo que Sábato puso en su libro.
Ése es el concepto que tengo de la historieta: representar al autor –sea guionista o literato- con la mayor potencia posible, y llegar hondamente a los lectores.

Página de la serie Vito Nervio, en revista Patoruzito 779, 1961.

G.C.: ¿Qué técnicas emplea?

A.B.: Utilizo la monocopia, todo tipo de pinturas, collages, lo que venga: los dedos, la palma de la mano, palitos, vidrio, cepillo de dientes. Lo que importa es el resultado final, no los medios con los cuales se logra.

G.C.: ¿Quiénes son los dibujantes de historietas que admira?

A.B.: En la Argentina admiro a mi hijo Enrique y a José Muñoz: me parecen dos talentos. Entre los extranjeros prefiero a Jacques Tardi y a Hugo Pratt no por lo que está haciendo sino por todo lo que hizo.

Página dibujada por Breccia, en revista Trix 4.

G.C.: Hablemos de las historietas que dibuja actualmente.

A.B.: En Vida de Lope de Aguirre se expone la trayectoria de este singular personaje y no hay innovaciones importantes. Es una historieta pintada en la que empleo el acrílico: no se presentaba para un gran vuelo dado su basamento biográfico.

Página de historieta publicada en revista Búmerang 14, España.

G.C.: Es el mismo personajes que llevó Herzog al cine en Aguirre, la ira de Dios.

A.B.: Exactamente. En cambio, el Informe sobre ciegos me exige a fondo. Aunque hay escenas que he suprimido, calculo que va a necesitar entre sesenta y setenta páginas. Elimino entre otras la parte de París, aquella en que quedan encerrados en el ascensor y uno devora a la mujer: me sacarían de mi línea narrativa que es negra y agobiante. Ya lo ha visto Ernesto Sábato y le ha gustado. Es un proyecto que tiene más de veinte años: lo había hablado con Sábato en los setenta, lo boceté en los ochenta y lo estoy dibujando en los noventa.

G.C.: El escritor Miguel Ángel Speroni decía que los grandes libros se piensan durante treinta años y después se escriben en tres meses.

A.B.: Voy a razón de quince páginas mensuales, pero llevo veinte años madurando esta adaptación.

Página de unitario, con guión de Mandrini, en Skorpio Plus 2, 1984.

G.C.: ¿Qué planes tiene para el futuro?

A.B.: El otro proyecto es adaptar tres cuentos de Borges: El Sur, El muerto y El hombre de la esquina rosada. A todos los une casi un mismo paisaje: guapos, orilleros y duelos.

De Oesterheld, de Germán Cáceres (Ediciones del Dock, Buenos Aires, 1992, 68 páginas).

La primera parte de la entrevista

Se presentó LOS SUEÑOS DE PIEDRA, de FER GRIS

2012-01-23T01:12:00.008-03:00

El viernes 20 de enero se presentó "LOS SUEÑOS DE PIEDRA", de Fer Gris, con gran concurrencia de público y colegas historietistas, en el local de Entelequia Belgrano.
El libro de Fer, es el título 32 editado en papel por La Duendes.

Fer firmando ejemplares

Massaroli, quien fue el encargado de presentar a Fer Gris.

Al finalizar la presentación, junto a varios de los asistentes. Entre ellos se aprecia a Massaroli, Oenlao, Antonelli y Diego Aballay.

Algunas de las chicas que se observa en las fotos, sirvieron de modelo para personajes femeninos en el libro de Fer.

Fer y Mariano Antonelli

Entrevista: Alberto Breccia (primera parte)

2012-01-17T01:03:00.009-03:00

UN TIPO EN CAMISETA

Presentación del libro Los sueños de Piedra, de Fer Gris

2012-01-13T01:01:00.001-03:00

PRESENTACIÓN DEL LIBRO "LOS SUEÑOS DE PIEDRA", de Fer Gris.-
El 20 de enero a las 18 hs., en el local de Entelequia Belgrano, Juramento 2584 CABA, se presentará esta historieta de género fantástico, editada por "La Duendes".

CINE SUPERHEROICO de Elian Aguilar, por Germán Cáceres

2012-01-12T03:41:00.004-03:00

(Fan Ediciones, Buenos Aires, 2011, 226 páginas)

Elian Aguilar (nacido en 1982 y director del documental Rojo Sangre: 10 años a puro género, 2010) sin complejos afirma “soy un nerd. No existe otra justificación para tamaño amor por los comics, el cine, la fantasía, la ciencia ficción”. Y este tono alegre, fresco, jovial se respira a lo largo del libro a pesar de la metralla de datos que dispara, porque el cineasta está muy documentado respecto a directores, intérpretes, guionistas, creadores de efectos especiales, series de TV e historietistas. Otro rasgo de su escritura clara y fluida es la utilización de un vocabulario moderno que recurre a palabras técnicas relacionadas con los citados medios. Por ejemplo, habla de dirección de segunda unidad en relación con las escenas que sólo tienen acción o se filman paralelamente para ahorrar tiempo y abaratar costos.

El autor bucea en los personajes y no titubea si tiene que tildarlos de falta de verosimilitud y escasa riqueza de matices. Respecto a la adaptación de la historieta Hellblazer que emprende el filme Constantine (2005), de Francis Lawrence, apunta: “El producto final se convierte en un híbrido que nunca llega a transformarse en lo que realmente es en la obra original”.
También se encarga de rastrear las fuentes historietísticas de cada producción. Una labor de investigación ímproba, fruto de ver películas y series de TV, leer comics, consultar libros y, por supuesto, varios sitios de internet. Presta, asimismo, especial atención a la estética cinematográfica, y hace hincapié en el reboot (reinicio), que da la posibilidad de volver a construir un personaje desde cero (igual que en los comics).

Aguilar señala cómo los superhéroes pasaron de ser subproductos de bajísimo presupuesto a costosos filmes con grandes estrellas. Y apunta que este giro comenzó a partir de Superman: The Movie (1978), de Richard Donner, con Marlon Brando, Gene Hackman y –a partir de allí- el famoso Christopher Reeve. También destaca el Batman (1989) de Tim Burton, que se nutrió de los comics The Dark Knight Returns, con textos y dibujos de Frank Miller, y The Killing Joke, del tándem Alan Moore (guión) y Brian Bolland (arte). Aquí menciona la composición antológica del Joker que realizó Jack Nicholson;.otra elaboración distinta -aunque apasionante- de este singular personaje fue la de Heath Ledger en un hito cinematográfico: The Dark Knight (2008), de Christopher Nolan. Destaca asimismo la renovación que significó por parte de la casa Marvel la parodia de esta especie de subgénero, que por su intenso desarrollo reclama una especialidad.

Leyendo el libro uno no puede menos que asombrarse de las infinitas gamas de poderes y de procedencias que se imaginaron para estos extravagantes personajes. Así, Rebeca (Lori Petty), la bella heroína de Tank Girl (1995), de Rachel Talalay, es la novia de un canguro mutante; el insólito grupo de héroes gestado en historietas por Alan Moore y llevado al cine en The League of Extraordinary Gentlemen (2003), de Stephen Norrington, está formado por: Captain Nemo, Allan Quatermain, Mina Harker, El Hombre Invisible, Dorian Gray, el doctor Jeckyll y Tom Sawyer; y, en 4: Rise of the Silver Surfer (2007), de Tim Story, sobre el una historieta de Stan Lee y Jack Kirby, un ser gigante como Galactus necesita devorar galaxias para alimentarse.
Se mencionan algunas producciones argentinas: Cybersix (1995), de José Massa, basada en la historieta homónima de Carlos Trillo (guión) y Carlos Meglia (dibujos), y Zenitram (2010), de Luis Barone, que toma como punto de partida un cuento de Juan Sasturain.

Hay un capítulo dedicado al cine de animación protagonizado por superhéroes, que es presentado así: “Más que un análisis es una suerte de muestrario de cómo del mundo de la animación expande (muchas veces mejor que los live-actions) los horizontes del noveno arte mucho más allá”.
Una aseveración rotunda del realizador devenido ensayista dejará más que contento al fandom, pero podrá ocasionar una fuerte oposición desde otras perspectivas: “El cine de superhéroes ya es considerado ´cosa seria´ para la porción más beligerante de pichones de la Nouvelle Vague, y esto reactiva todo un proceso que lleva a que se realicen más y más adaptaciones comiqueriles convertidas ahora en la nueva gallina de los huevos de oro”.
Cine superheroico es, además de un libro de consulta imprescindible para los aficionados al cine y a las historietas, una forma amena y hermosa de evocar la infancia y pubertad por parte del lector, cualquiera sea su edad.

Germán Cáceres

Entrevista: Oswal (segunda parte)

2012-01-05T01:01:00.002-03:00

DE SÓNOMAN HASTA HOY

Por Germán Cáceres

Oswal y José Massaroli

Osvaldo Walter Viola (Oswal) contrarió el deseo de su padre de que fuera contador. En lugar de entrar a la Facultad de Ciencias Económicas comenzó a estudiar dibujo en escuelas por correspondencia. Su principal interés se centró en el dibujo animado. En los años cincuenta estuvo con ese pionero de la animación que fue Burone Bruché; después –a mediados de la década del sesenta- se asoció a los estudios de Guillermo Divito. Tuvo a su cargo algunos episodios de Ernie Pike y otras historietas de Hora Cero y Frontera. En Correo de la Tarde realizó una tira diaria y fue responsable de la página dominical (en realidad, era 1/6 de páginas). Pero su verdadera carrera historietística se inicia en 1965, al pedirle García Ferré que adaptara David Copperfield y Robinson Crusoe. En 1974 concibe Mascarín para la revista Chaupinela. Publica varias colaboraciones en “Humor Negro” de Satiricón. Desde 1982 su producción se edita en España. De ella se destacan Mark Kane, Big Rag, Buenos Aires, las putas y el loco y Consummatum est.

Página de Sonomán, en Anteojito, 1994.

G.C.: Es decir antes buscabas un dibujo que fuese narración.

O.: Sigo pensando igual. Sucede que a su vez me incita el dibujo en sí, pero siempre que incorporo elementos lo hago en función narrativa. Aquí no hay tu tía. Te comunico que Yaqui se llama Patricio McGough y guiona historietas circunstancialmente. Es ante todo es escritor y poeta. Le publican sus libros con el nombre de Patricio Peñaloza; escribe, además, letras de música popular.

Página de Consummatum Est, con guión de Yaqui, en Címoc, España.

G.C.: ¿Estás dibujando alguna otra historieta para Europa?

O.: Hice Marc Kane, con guión de Linton Howard, y Buenos Aires, las putas y el loco, con textos de Ricardo Barreiro, que se publicó en la revista Hora Cero. Buenos Aires... es una de las mejores historias de Ricardo, en la que sale de lo tradicional en él y obtiene una verdadera obra negra.

Página de Galac Master, con guión de Oesterheld, en Skorpio.

G.C: ¿Y en la actualidad?

O.: Continúo dibujando una nueva etapa de Sónoman y estoy realizando una segunda serie de Pieter Thijsz, que trata sobre un pintor del siglo XVI.

G.C.: ¿Qué pasó por tu afición por los dibujos animados?

O.: Está abandonada por la falta de posibilidades. Me gustaba la animación porque unía el cine y el dibujo. Por supuesto, sólo se realizaba dibujo animado comercial. El sueño era tener un estudio productor de largometrajes que sirviesen a la diversión. El dibujo animado es el clásico trabajo en colaboración donde muchos aportan para ejecutar una obra. Lo que me apasionaba no era sentarme a dibujar, sino coordinar el equipo. Por eso me asocié a Divito. Lo excitante es organizar los esfuerzos de gran cantidad de gente. Pensá que hay una banda de sonido y otra de imagen. Luego, a partir de los años sesenta paso a la historieta, donde uno se retira y vive a solas, casi en una cueva.

Unitario publicado en revista Cóctel.

G.C.: Cuando mencionás la falta de posibilidades, ¿te referís a la crisis económica que sufre el país?

O.: Me estoy refiriendo al país de esa época. Si vos tenías un estudio chico y querías agrandarte no lo podías hacer porque necesitabas mucho capital para dar el salto. O sea ibas creciendo en los trabajos pero si había uno que no lo cobrabas, te sacudía hasta exterminarte.

Dos páginas de Sonomán publicadas en revista Humi, 1983.

G.C.: ¿Cómo incidió el cine en tus trabajos?

O.: El cine participó en la historieta en idéntica medida que la literatura y el teatro. Son medios expresivos que aportan lo suyo. La historieta es un género que a su vez ha enriquecido a todos esos medios. Así, en el pop art se pintaba cuadros en base a técnicas de la historieta.

G.C.: Dado que el cine es narración visual, ¿no será más importante que la literatura para la historieta?

O.: Se puede dar a una página el sentido de una pantalla, como propone Hugo Pratt que la divide en cuatro tiras con tres cuadros (a veces de dos cuadros hace uno). Está como respetando el tamaño de una pantalla: interesa lo que sucede adentro. Esta postura me parece hermosa, pero también es posible romper la página en función narrativa. La historieta debe sugerir aquello que el cine posee, como el movimiento: se hace creer que los personajes se mueven, pero ellos están dibujados y fijos. El cine tiene sonido: la historieta sugiere que lo hay. Es todo una ilusión, una magia, un hechizo del que carece el cine. Sin duda, éste ofrece sus propios encantos; no estoy queriendo decir que la historieta sea superior.

Página de Buenos Aires, las putas y El Loco, con guión de Ricardo Barreiro, en Címoc, España.

G.C.: O sea que hay que explotar lo específico de cada arte. ¿Vas mucho al cine?

O.: Voy poco al cine así como casi no leo historietas. Estoy pasando por un período en lo que lo primordial es concretar mi obra y entonces no estoy mirando las obras de otros.

G.C.: A la fotonovela la liquidó la televisión, con más precisión la telenovela. ¿Le sucederá lo mismo a la historieta?

O.: Cuando la historieta tenía gran divulgación masiva, se la hacía de manera que impactara a mucha gente. En el presente el historietista ha tomado conciencia de ser un autor, que debe saber lo que dice porque es un modificador social. Le está ocurriendo lo que al escritor: he visto en Europa que historieta se va volcando hacia minorías, en el sentido de que se edita en libros: en definitiva, va a publicar aquel que represente su época y llegue al lector. La historieta no va a morir.

Página de Consummatum Est, con guión de Yaqui.

G.C.: Hay preguntas de rutina: ¿ qué historietistas admirás?

O.: Si menciono a algunos tengo miedo de ofender dejando aparte a gente notable. A mí me ha afectado mucho el humor de principios de siglo, por ejemplo Feininger en los EE.UU.

Después me pareció increíble Elzie Segar con Popeye, fantástico Herriman, e interrumpo aunque hay más. Me estimularon asimismo los ilustradores de nuestro país de ese tiempo, artistas maravillosos como Cao, o Sirio algo más acá. Y es obvio que Pratt, Breccia, y para qué seguir.

Página de Big Rag.

G.C.: Lo que estás diciendo, ¿vale para los guionistas?

O.: Sí. Un guionista que me conmovió fue Elliot Caplin –el hermano de Al Capp-, autor de la historieta llamada aquí Doctor Boves, que luego escribió El corazón de Julieta. Después fueron apareciendo numerosos guionistas pero te vuelvo a repetir que al nombrar sos injusto porque olvidás. En el país hubo y hay muy buenos. Además, es gente que lee y piensa, por eso me agrada. Se me han quejado por decir que lo primordial es el guión. En realidad, afirmo que la historieta es literatura, y que el historietista es en sí un escritor.

De El dibujo de aventuras, de Germán Cáceres (Editorial Almagesto, Buenos Aires, 1996, 200 páginas).

Dibujantes y guionistas: fotos para el recuerdo 3

2012-01-03T01:01:00.000-03:00

Las siguientes fotos fueron tomadas en 1979, en la ciudad de Córdoba, en la Bienal Internacional de historieta y Humor. Pertenecen al archivo personal de Gerardo Canelo.

Un gran registro histórico de maestros de la historieta nacional e internacional.

Canelo, Carlos "Chingolo" Casalla y Héctor Bellagamba (guionista)

Moebius y Bellagamba

Juan Zanotto, Mordillo, Alberto Breccia y Moebius.

Alberto Breccia y Moebius

Entrevista: Oswal (primera parte)

2011-12-29T01:01:00.008-03:00

DE SÓNOMAN HASTA HOY

Por Germán Cáceres

Oswal, Alcatena, Diego Aballay y Fer Gris

En 1974 concibe Mascarín para la revista Chaupinela. Publica varias colaboraciones en “Humor Negro” de Satiricón. Desde 1982 su producción se edita en España. De ella se destacan Mark Kane, Big Rag, Buenos Aires, las putas y el loco y Consummatum est.

Página de Galac Master, con guión de Oesterheld, en revista Skorpio, 1981.

Germán Cáceres: Te estoy entrevistando en un aula, y el otro día que te llamé por teléfono para convenir este encuentro, estabas por dar clase. ¿Tu actividad docente es tan importante como la de historietista?

Oswal: Diría que es la misma. Ejerceré la docencia mientras sea creativa. Si todos los años me repitiera en las lecciones, entiendo que abandonaría las tareas. Otra de las razones por las que enseño es encontrarme con alumnos que están en las viejas posiciones mías, cuando era un aficionado que buscaba llegar. Con el profesionalismo es posible que progresés en lo técnico, pero te va ganando la frialdad. Hay cosas que de joven plasmabas en forma espontánea, y eran bellísimas, y no se vuelven a repetir. Estos chicos me recuerdan esa época e inclusive me dan cosas. Es decir no sólo les doy yo a ellos, sino que ellos me dan a mí.

Página de Consummatum Est, con guión de Yaqui, en Címoc, España.

G.C.: Esa retroalimentación me recuerda a John Dewey, que decía que la vida debe entrar en el aula.

O.: Y no te imaginás el placer que te brinda y cómo te mantiene al día. Además, al transmitir tus experiencias fijás el conocimiento. En la práctica se hacen muchas cosas sin saber muy bien por qué. En el momento de enseñarlas hay que saberlas, y de ese modo encontrás la causa: eso te permite evolucionar.

Página de Buenos Aires, las putas y el loco, con guión de Ricardo Barreiro, en Címoc, España.

G.C.: Por otras charlas nuestras sé que te apasiona la literatura.

O.: La historieta está íntimamente ligada con la literatura, lo único que practica es reemplazar cierta cantidad de palabras por imágenes, pero en el fondo está narrando, contando una historia. Por lo tanto, son los grandes de la literatura los que nos enseñan en qué orden debemos ofrecer las cosas, cómo presentar un personaje, cómo definir un epílogo o describir un paisaje. Si dibujo un escenario, en mi interior lo estoy pensando como si fuera un escritor. A veces me dicen que mi condición es ser narrador.

Página de Big Rag, con guión de Albiac, en revista Cóctel.

G.C.: ¿Por qué no escribís ahora guiones?

O.: He escrito mis propios guiones –por ejemplo, Sónoman y Mascarín-, y pienso volver a hacerlo: me lo ha impedido la cantidad de trabajo. Hoy día tengo muchas historias que quiero sacar, y en la primera de cambio lo hago. Pero no debemos confundirnos: si sos narrador o escritor y combinás con un guionista, es difícil que aceptés que una editorial te dé un texto de Fulano o de Mengano para dibujar. No porque sean buenos o malos, sino porque no hay coincidencias.

Sonomán en Anteojito, 1994.

G.C.: Art Spiegelman me dijo en una entrevista que el dibujante tiene que escribir sus guiones. Al citarle a Muñoz-Sampayo me contestó que ambos pensaban como si fueran uno.

O.: Cuando tomo el guión de una persona es porque la estimo y admiro lo que relata, y puedo agregarle cosas sin alterar su mensaje.

Página de unitario publicado en la revista Cóctel, 1991.

G.C.: Dame más ejemplos.

O.: Estoy dibujando Consummatum est, una serie que ha caminado muy bien en Europa y de la me están pidiendo elaborar un libro a color. Y trabajo con Yaqui, que es fundamentalmente un gran amigo, el de las charlas de café. No sólo hablamos de historietas: nos une la poesía, la literatura, la filosofía. Para colmo, Yaqui también dibuja. El argumento lo escribe él, pero el guión lo preparo yo. Y de esa puesta en cuadro surgen cambios que comentamos. Aunque hay un principio y un fin en cada uno, estamos metidos el uno en el otro.

Página de Consummatum Est, con guión de Yaqui, en Címoc, España.

G.C.: ¿Qué autores influyeron en tu obra?

O.: Pese a que de joven yo no era Sartre, el café fue muy valioso: charlando con amigos me nutrí de títulos y de autores, y no había límites. Pero a medida que pasan los años me va sucediendo lo que decía Borges: te quedás con pocos libros que releés. Porque no hay que extenderse, sino profundizar. Por eso retomo autores. Por supuesto, uno de ellos es Borges. También me interesan Herbert Marcuse y la psicología a partir de Freud, por lo que me metí en las nuevas corrientes. El mundo de García Márquez me lo abrió Yaqui. Como ves, la amistad enriquece, amplía tu panorama. Se pueden vivir tantas vidas como amigos se tienen. Te diría que provengo de un Charles Dickens, por eso en cuanto me dieron a elegir una adaptación no dudé en David Copperfield. Me encantaba su imagen y su enfoque de los personajes, intuía que utilizaba planos. Me hablaba de Fulano y éste era un primer plano; describía un ambiente, y se convertía en un plano general. Cuentistas como O´Henry me sugirieron la posibilidad de la trama breve con desenlaces sorpresivos. En Mascarín empleé la técnica del cuento: en dos páginas solucionaba como cuarenta cuadros. La gente me decía: “¡Qué lástima que los dibujos no salgan más grandes!”. Yo contestaba: “¿Para qué? Si lo que tiene que lograr la imagen es narrar”. Nunca me importó el dibujo por el dibujo en ese entonces, pero luego sí quise ahondar en el arte plástico.

Continúa la próxima semana

Libros de La Duendes publicados durante 2011

2011-12-27T01:01:00.000-03:00

Recordando a los autores de historietas que partieron en 2011

2011-12-26T19:40:00.024-03:00

Este año que nos deja, fue de grandes pérdidas en el mundo de la historieta. A modo de homenaje, recordamos a quienes nos dejaron en 2011.

Esperemos que 2012 sea un año de noticias más gratas.

15 de diciembre. Eduardo Barreto, dibujante uruguayo.

Barreto y Ariel Avilez
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13 de diciembre. Enio Leguizamón

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Noviembre. Mannken (Víctor Braxator)

Más sobre Mannken en La Bitácora de Maneco

26 de septiembre. Sergio Bonelli, editor y guionista italiano

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Agosto. Solano López

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El homenaje que le realizamos en La Duendes - Historieta Patagónica

6 de agosto. Eduardo Santellán

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El homenaje que le realizamos en La Duendes - Historieta Patagónica

Las series que Eduardo Santellán publicó en Historieta Patagónica
El milagro de las sirenas (70 pags)
Sur Salvaje (56 pags.)

2 de julio. Peni (Pedro Pennizotto)

8 de mayo. Carlos Trillo

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El homenaje que le realizamos en La Duendes - Historieta Patagónica

4 Marzo. Eduardo Ferro

Más sobre Eduardo Ferro en este mismo blog
El homenaje que le realizamos en La Duendes - Historieta Patagónica

Los sueños de piedra, de Fer Gris

2011-12-23T01:01:00.001-03:00

Para terminar el año, a la venta desde la próxima semana

¡Muy felices fiestas navideñas y de fin de año!!!

2011-12-22T13:17:00.009-03:00

Gracias a todos los que nos hicieron llegar sus saludos!!

Dibbuks (España)

Elsa Tobón (Colombia)

Sonaste Maneco

Christian G. Marra - Passenger (Italia)

España

LA DUENDES en Festival Increible (Bs As)

2011-12-19T11:49:00.006-03:00

Oenlao, Galatz, Antonelli, Massaroli y Taro

Oenlao, Galatz, Antonelli, Massaroli, Taro y Edmunds

Falleció el dibujante Eduardo Barreto

2011-12-16T02:17:00.006-03:00

Barreto junto a Ariel Avilez. Foto gentileza de Canelo.

Ayer informábamos del fallecimiento de Enio, y hoy lamentamos informar que el día jueves falleció el dibujante uruguayo Eduardo Barreto, a los 57 años de edad. Barreto comenzó trabajando en diarios de Uruguay y en los 70 trabajó en Argentina, en editorial Columba, dibujando guiones de Héctor Oesteheld, entre otros.

Desde los años 80 dibujaba personajes emblemáticos como Bátman, El Hombre Araña, Súperman, Indiana Jones o La Guerra de las Galaxias.

Dos páginas de adaptación de película en la que Barreto realizó los dibujos, en revista Fantasía, 1981.

Bátman y Daredevil dibujados por Barreto
Fuente Many Faces of Batman

Entrevista: Lucho Olivera

2011-12-16T01:01:00.001-03:00

EL ARTE DE LA ROTULACIÓN Y DE LA OBVIEDAD

Por Germán Cáceres

Nació en 1943 (Corrientes). Cuando tenía alrededor de veinte años fue ilustrador en las revistas Vea y Lea, Leoplán y Maribel. Como dibujante de historietas debutó con La legión extranjera (guión de Cruz) publicada en Misterix (su director de arte era Hugo Pratt). Después dibujó la célebre Nippur de Lagash (escrita por Robin Wood), y –con textos de Alfredo Julio Grassi- Planeta Rojo, Yo Ciborg y Galaxia Cero. Otros de sus éxitos de lectores es Gilgamesh el Inmortal (al principio con guión de Robin Wood), que en la actualidad continúa dibujando.

Poseedor de una sólida formación técnica, desde 1964 es uno de los dibujantes argentinos de más sólido prestigio. Se destaca por su empeño documentalista: su obra registra un arduo trabajo de investigación histórica. Ha ilustrado para Italia cuentos de ciencia ficción, y confiesa que tal vez sea ésta su más íntima vocación.

(Falleció el 11/11/2005).

Página publicada en libro de oro de la revista Skorpio, década del 70.

Germán Cáceres: Tu nombre se asocia con Nippur de Lagash, un éxito espectacular que guionó Robin Wood. A mi entender esta historieta fue precursora del género de “fantasía heroica” por cuanto nace en 1967 y Conan el bárbaro –consagrada como modelo y punto de partida- recién lo hace en 1970. ¿Qué podés comentar sobre Nippur?

Lucho Olivera: Nippur empieza como “fantasía heroica”, pero Robin Wood, en forma genial, la va llevando –y me permito una licencia pintoresca- a una especie de Martín Fierro poético de la Mesopotamia antigua. Si se lee con atención la historieta, vamos a encontrar además de la epopeya del Martín Fierro, a los salmos de David, a Sinué el egipcio, de Mika Waltari, y a La Ilíada, de Homero. Es un a literatura que un crítico llamó “parasilar”, es decir rítmica, recorrida por reiteraciones hipnóticas, como el sonido de un tamboril o el Bolero de Ravel. Nippur es un guerrero maduro que recorre caminos en la Mesopotamia, mientras que Martín Fierro transita por la pampa argentina. Pienso que Robin aparte de guionista es un gran escritor que supo expresar la cotidianeidad de las relaciones humanas. La sabiduría semibíblica y bárbara que Nippur va cumulando también la posee Martín Fiero.

Nippur, con guión de Robin Wood.

G.C.: Observo que el personaje a medida que transcurre la historieta evoluciona interiormente, y que el tono narrativo tiene bastante de la llamada “novela novelada” del siglo XIX, uno de cuyos exponentes es Alejandro Dumas, en la cual abundan acciones, viajes y sucesos excepcionales. ¿Qué más hiciste junto a Robin Wood?

L.O.: Gilgamesh el Inmortal, un sumerio que recibe su don de un extraterrestre. La acción comienza en el 3000 a.C., atraviesa toda la historia humana, llega a nuestra época y sobrevive a la hecatombe nuclear. Es ciencia ficción ciento por ciento y también participa del mito de Gilgamesh, epopeya escrita hace más de cuatro mil años. En un personaje que creé en 1970, y Robin lo desarrolló literariamente. Gilgamesh salva del holocausto a una docena de seres humanos y parte hacia las estrellas para poblar otros mundos: comienza así la etapa galáctica.

Página de Gilgamesh, con guión de Ricardo Ferrari, en D`Artagnan, 1986.

G.C.: ¿La sigue escribiendo Robin Wood?

L.O.: En este momento la guiona Ricardo Ferrari, y narra el renacimiento de la Tierra después del espantoso resplandor. Hemos llegado al año 5600 de nuestra era.

G.C.: ¿Por qué elegiste una historieta de ciencia ficción?

L.O.: Me amamanté con la ciencia ficción de Bradbury, Asimov, Sturgeon y Van Vogt, entre muchos otros. Ilustré cuentos de James Blish, Robert Bloch y uno del argentino Adolfo Pérez Zelaschi que se llamó “La trampa del tiempo”. Yo me devoraba la revista Más allá y como Bradbury prefería esas lecturas a la realidad, a la que no me podía bancar.

Ilustración de tapa realizada por Lucho Olivera

G.C.: ¿Para vos la historieta representa un escape imaginativo hacia un mundo más bello?

L.O.: Como Hugo Pratt, estoy humildemente agradecido por poder vivir en el mundo de la fantasía. La función de la historieta es la evasión, un antídoto tan imprescindible como el sueño. El individuo que trabaja todo el día en un banco necesita un escape, y para eso están las aventuras con acontecimientos extraordinarios. Es una manera de sanear la mente.

Nippur

G.C.: ¿Tal como lo propone Woody Allen en La rosa púrpura de El Cairo?

L.O.: De acuerdo: pagamos una entrada de cine para evadirnos.

G.C.: ¿Qué dibujante admirás?

L.O.: El primero que me deslumbró fue Alex Raymond, el de Flash Gordon. Ahora por supuesto ha sido superado por todas las renovaciones gráficas posteriores.

Unitario publicado en la revista Skorpio

G.C.: Pero hoy se lo cuestiona como historietista; se afirma que era más bien un ilustrador, igual que Harold Foster.

L.O.: Yo me inicié en la ilustración, luego me convertí en historietista. Mi verdadera vocación era ilustrar cuentos de ciencia ficción, a la manera de Frank Kelly Freas, quien dibujaba las tapas de The Magazine of Fantasy and Sciencie Fiction y de Analog. De allí mi veneración por el Flash Gordon de Raymond, aunque considero su Rip Kirby más interesante. Tanto sus trabajos como los de Foster son ilustraciones con un globo abajo. En realidad, las grandes historietas fueron Terry y los piratas, de Milton Caniff, y Dick Tracy, de Chester Gould.

Página de Gilgamesh publicada en la revista Skorpio, versión italiana

G.C.: ¿Qué historietista preferís en la actualidad?

L.O: Richard Corben, quien día a día me sorprende por su constante perfeccionamiento. Creo que está en su apogeo y una línea muy de los años ochenta.

Página de unitario publicado en la revista Intérvalo, 1996.

G.C.: ¿Cómo definirías la historieta?

L.O.: Para mí es el arte de la rotulación y de la obviedad. Este pensamiento me surgió cuando vi la foto de la cabina de un caza norteamericano, dentro de la cual había un cartel que decía cabina: es obvio que el piloto que entra a ella no ignora que se trata de una cabina. Como si la precisión exigiera que no se dejase nada librado al azar. La historieta aporta la explicación absoluta de una situación y en ello reside su fascinación. Chester Gould, por ejemplo, dibujaba un villano y aparecía una flecha que decía villano. En esta rotulación total de la realidad, en este colmo de la obviedad radica la fuerza expresiva de la historieta.

Página de unitario publicado en Skorpio, 1979.

G.C.: ¿Y la secuencia gráfica?

L.O.: Me gusta el rigor, la disciplina que impone. Su orden lógico satisface cierta formación científica que tuve (estudié matemática y química). Me aburre la resolución de una ecuación, pero me encantan las narraciones bien estructuradas secuencialmente.

G.C.: Según Daniel Guebel “La historieta puede pensarse como el modo peculiar que las artes gráficas han escogido para leer el cine y la fotografía”. ¿Estás de acuerdo?

L.O.: Sí. Digamos que la historieta es cine congelado y portátil, porque la revista o diario que la publica puede llevarse en el bolsillo. Hay que recordar que ambos nacieron simultáneamente y están muy unidos.

Página de Yo Ciborg, con guión de Alfredo Grassi, en Skorpio, 1978.

G.C.: Tanto Humberto Eco como el Gabriel García Márquez de su última novela, El amor en los tiempos del cólera, utilizan procesadores de palabras para escribir. ¿La computación también está siendo empleada en las historietas y en los dibujos animados?

L.O.: Entramos en tres problemas: historieta, dibujo animado y computación. En la primera etapa de Walt Disney se necesitaban hacer a mano innumerables dibujos para reproducir los movimientos. Ahora con la computadora y la fotocopiadora este problema se resuelve con facilidad. El discurso del dibujo animado es aún más obvio que el de la historieta, pero no queda como ésta en las manos de quien la está mirando, sino que transcurre y pasa. La película Heavy Metal comienza siendo historieta y termina como dibujo animado. Podemos imaginar un futuro donde no se impriman más diarios ni revistas y que tanto la información como el entretenimiento se reciban a través de la computadora personal. En esta era tecnotrónica la historieta se insertará en el dibujo animado.

Página de Gilgamesh, con guión de Mulko.

G.C.: Para terminar la entrevista, ¿la historieta incita a la reflexión?

L.O.: La historieta más que incitar el pensamiento lo aclara. Si su señalamiento se aplicara en otros órdenes, en el mundo habría menos confusión. Una imagen dice más que mil palabras, pero si aparte está acompañada por ellas se potencia. La historieta brinda clarificación en una época donde se cuenta con poco tiempo para elaborar los mensajes. Hoy es casi imposible leer fuera de los ámbitos universitarios novelas como el Ulises de Joyce o El Quijote de Cervantes. A manera de metáfora me atrevería a sostener que el crítico Leo Salas cuando intentó explicar la simbología de la obra de Ingmar Bergman le puso globitos a sus películas; fue el primero que las rotuló.

Página de unitario publicado en la revista Skorpio, versión italiana, 1978.

G.C.: ¿Qué opinás de esa falta de tiempo que impide leer obras capitales como las que mencionaste?

L.O.: No es ni bueno ni malo: no hay tiempo. Entonces aparece el mérito de la historieta, cuyo lenguaje conciso, claro, rotulado y secuencial permite absorber el mensaje rápidamente.

Página de Yo Ciborg

De Charlando con Superman, de Germán Cáceres (Editorial Fraterna, Buenos Aires, 1988, 224 páginas)

Fallece el dibujante Enio Leguizamón

2011-12-14T02:06:00.014-03:00

El martes 13 diciembre falleció el dibujante Enio Leguizamón, autor de muy extensa trayectoria en el país y el exterior, dueño de un estilo de dibujo inconfundible, en tono realista.

Durante varias décadas fue uno de los colaboradores estables de editorial Columba, para la que ilustró recordadas series como Gente de Blanco, A Quemarropa, Sam Malone, Víctor Vanel, Cimarrón, entre otras.

Otra lamentable pérdida para la historieta.

Las fotos fueron tomadas por una hija de Gerardo Canelo, a quien se le agradece que las haya facilitado. Fueron tomadas en septiembre este año durante los reconocimientos que se les realizó a diversos autores, en la Biblioteca Nacional.

Enio

Enio recibiendo el reconocimiento en la Biblioteca Nacional.

Página de Gente de blanco, con guión de José Luis Arévalo, en revista Intérvalo, 1996.

Página de A Quemarropa, con guión de Ray Collins, en D`Artagnan, 1979.

En primer plano, de izq. a der.: Morhain, Enio, Lalia, Alfredo Grassi y Canelo.

Morhain, Enio, Lalia y Grassi.

Página de la serie Cimarrón, con guión de Ray Collins, en D`Artagnan, 1986.

Enio recibiendo el reconocimiento.

Página de Sam Malone, con guión de Saccomanno, en D`Artagnan, 1975.

Unitario publicado en El Tony, 1973.

Página de Víctor Vanel, en la revista Skorpio de Italia

Entrevista: Leopoldo Durañona

2011-12-08T01:01:00.002-03:00

ESCAPE EN TREN

Por Germán Cáceres

Nació en 1938, en Buenos Aires, Argentina. Cursó estudios de dibujo y pintura en la Academia Superior de Bellas Artes y de estética y dibujo en la Facultad de Arquitectura (UBA).

Dibujó historietas para las editoriales Columba, Frontera y la Fleetway Publishers de Londres. Colaboró en las revistas Para Ti, Billiken, Maribel y Semana Ilustrada, y en las editoriales Codex, Abril y Atlántida. Hizo trabajos de publicidad para importantes agencias y canales de televisión.

En 1974/5 realiza en EE:UU. historietas para la DC Comics y la Warren.

En 1981/2 trabaja en México e ilustra “Episodios mexicanos” y varios volúmenes de la colección México, Historia de un Pueblo. Es invitado por la Secretaría de Educación de la Presidencia para participar como jurado en el “Encuentro Internacional de la Historieta”.

Nuevamente en EE:UU. ilustra numerosos libros y realiza storyboards de filmes publicitarios. Ha creado personajes y diseños para películas de dibujos animados de Hanna Barbera. En la actualidad trabaja en el departamento de animación de la Marvel Productions Ltd., en Los Ángeles.

(Entrevista celebrada en Buenos Aires).

Ilustración de Raza de Escorpiones, de Durañona, como tapa de Hora Cero (edición de los años 90)

Germán Cáceres: Leopoldo, estás radicado en los EE.UU. desde hace unos diez años y en la Argentina hay poca información sobre tu obra. Se sabe que dibujaste series de terror en las revistas Creepy, Eerie y Vampirella. Lamentablemente nos han llegado pocas historietas tuyas en este período: en El Péndulo apareció una sobre la Guerra del Paraguay y en Fierro, Los ángeles caídos, ambas con guión de Saccomanno.

Leopoldo Durañona: Esos trabajos que acabás de mencionar los había concretado con anterioridad en la Argentina. La Guerra del Paraguay sólo puede interesar aquí, pero Los ángeles caídos me los llevé a los EE.UU. y los vendí a la Warren. El primer trabajo lo conseguí a la semana de arribar y fue para una revista de terror que editaba la DC. Llegué a los EE.UU. de paso hacia Europa, pero siguiendo un consejo de un amigo presenté mis dibujos a la Marvel, donde en la misma puerta de entrada me dijeron que no necesitaban nuevos historietistas. Luego los mostré en DC y tuve suerte, pues gustaron a todos, de los muchachos que me recibieron hasta los directores de arte.

Página de Raza de escorpiones

G.C.; ¿Te sentiste cómodo en el género de terror?

L.D.: Sí, por supuesto, es el tema principal que yo traté en la Argentina. En realidad, en los EE:UU. me sentí cómodo en materia de historietas al estar al margen de lo que produce masivamente: el superhéroe. Estoy incapacitada para encarar este tipo de historietas porque no me gustan y no las entiendo. No me explico la razón de su éxito, el por qué se las lee: el superhéroe no ofrece ninguna emoción o suspenso, pues no puede sufrir ni lastimarse y terminará ganando. ¿Para qué perder el tiempo leyendo sus hazañas?: con mirar el primer y el último cuadrito sería suficiente. Me interesa la historia humana, con personajes sufrientes, en la que se ignora si al final ellos podrán sobrevivir a la aventura.

G.C.: Para Humberto Eco el sortilegio de la historieta y de la novela policial tradicional reside en los mensajes redundantes que transmiten, en el placer que halla el lector al saber que no se topará con ninguna sorpresa, que los personajes actuarán de una sola manera y no de otra. Siguiendo esta línea interpretativa, el superhéroe encarnaría entonces la redundancia pura, ya que de antemano se conoce todo lo que va a ocurrir: de allí la razón de su repercusión.

L.D.: Puede ser. Otra característica de los EE:UU. a la que no pude adaptarme y que he logrado soslayar es la de trabajar con ayudantes. Yo soy muy individualista, quiero ver sólo mi mano en el dibujo y que tanto los aciertos como los errores sean de mi absoluta responsabilidad. En cambio, en EE.UU uno dibuja a lápiz, otro lo entinta y un tercero le pone el color.

Página de Raza de escorpiones

G.C.: Art Spiegelman, el director de la revista norteamericana Raw, coincide con tu punto de vista. Rechaza la tarea corporativa, industrial, cuya división de trabajo sumerge al artista en el anonimato ya que cualquier dibujante puede ser reemplazado por otro.

L.D.: Bueno, artista es un “gran decir” para EE.UU., en donde la historieta es el último “orejón del tarro”. Según los directores, uno no decide dibujar historietas, sino que se dedica a ellas porque no sabe hacer otra cosa.

G.C.: ¡Qué raro! Porque EE.UU. es la cuna del género y uno de los países que produce y distribuye mayor cantidad de historietas.

L.D: Yo creí que iba a la cuna de la historieta y lo es, pero para mí también es la muerte de la historieta.

G.C.: Y sin embargo ha dado grandes creadores como Foster, Raymond, Caniff...

L.D.: Ellos trabajaron para periódicos y ése es otro nivel. En los EE.UU está todo tan estratificado que el historietista de las daily-strips goza de una consideración superior que el de los comic-books.

Página de unitario publicada en Címoc, España.

G.C.: Pero esa visión de la historieta, ¿no será propia de California? Digo esto porque vivís y trabajás en Los Ángeles. ¿En Nueva York sucede lo mismo?

L.D.: Mi opinión comprende a Nueva York, donde trabajé y residí varios años. Aclaro que esta óptica sobre el fenómeno de la historieta en los EE.UU. es personal y corresponde a la experiencia que yo viví allí.

G.C.: Pero a pesar de estas circunstancias, ¿pudiste abordar favorablemente tu labor de dibujante de historietas?

L.D.: En lo que yo realicé me sentí a gusto. Después de trabajar dos años para la DC colaboré en la Warren por cinco años en las revistas que mencionaste. La editora Louise Jones estaba en muy buenas relaciones conmigo y le agradaba mi producción; además, pude experimentar nuevas técnicas, especialmente empleando fotografías.

G.C.: ¿Sólo hiciste historietas de terror en EE. UU:?

L.D.: En la Warren emprendí toda clase de historietas: policiales, de guerra, históricas, de terror.

G.C.: Retomando el tema de que en los EE.UU no se considera a la historieta un arte, para vos ¿lo es?

L.D.: Para mí es un arte muy importante porque nos puede comunicar. Pero ha sido mal aprovechado; por ejemplo no se lo ha utilizado suficientemente en el aspecto educativo.

C.G.: ¿Cómo se ve la historieta en Europa?

L.D.: Allá el historietista está valorado, tanto que cuando llega a los EE:UU un Moebius, se lo reconoce y admira: ocurre que ellos también están mirando hacia Europa. Como verás, no deja de ser un hecho curioso.

G.C.: ¿Qué país europeo está más evolucionado en materia de historietas?

L.D.: Por lo que yo sé Francia, pero estimo que en toda Europa en general la historieta ofrece productos más atrayentes y está dirigida a otros niveles.

G.C.: ¿Quiénes serían para vos los grandes artistas de la historieta?

L.D.: No quisiera hacer nombres: yo encarnaría una especie de extracto de todo lo que he visto y me ha gustado. Si algo resulta relevante se absorbe e incorpora, aunque provenga de un dibujante desconocido.

G.C.: Se dice que sos discípulo de Alberto Breccia; ¿es así?

L.D.: Sí, me considero un discípulo de Alberto Breccia. No obstante, como la mayoría de los dibujantes de historietas soy autodidacta. Yo he dibujado desde pequeño y aprendí solo muchas cosas, pero la influencia de Alberto resultó fundamental en un momento de mi vida.

G.C.: ¿Fuiste su ayudante?

L.D.: No, asistí a un curso especial dictado por Alberto, al cual concurrieron otros dibujantes que ahora son profesionales muy valiosos. Allí nos dimos fuerzas unos a otros a través de una competencia estimulante, de un cierta envidia “sana” que nos hacía dar lo mejor de nosotros para superar los trabajos de los demás compañeros.

El dibujante de historietas es un solitario, y en mi caso particular me esfuerzo por agradar a mis amigos y seres queridos: no puedo dibujar para rostros en blanco cuya identidad desconozco.

G.C.: ¿Qué proyector tenés actualmente?

L.D.: Estoy trabajando en el departamento de animación de la Marvel, en Los Ángeles. Diseño personajes y los artefactos que ellos necesitan, como ser espacionaves, extraños mundos y salas de computación. Como te habrás dado cuenta, prevalece la ciencia-ficción. Mis ilustraciones son utilizadas en presentación de nuevos filmes.

Aunque he vivido bien de este trabajo en los últimos cinco años, pues económicamente es muy conveniente, estoy tratando de dejarlo porque mis aportes no se aprecian, desaparecen en cuanto entran en la cadena de producción y son tomados por los animadores. Esto me molesta bastante porque me formé viendo mis dibujos publicados en revistas y libros. Por eso quiero volver a las historietas y tengo los ojos puesto en Europa, sobre todo en Francia, donde creo que están los editores mejor organizados. Sé que es un proyecto muy difícil y a la vez fascinante: en Europa nadie me necesita, abunda una gran cantidad de artistas y hay una intensa competencia. Es un enorme desafío.

G.C.: ¿Qué historieta pensás realizar para Europa?

L.D.: No cuento con una idea definida, pero la intención es hacer una historieta de aventuras de formulación simple y clara, como “las de antes”. Es decir todo lo contrario a las historietas complicadas e intelectuales de hoy en día.

G.C.: ¿Un retorno a la llamada “edad de oro” de la historieta?

L.D.: Sí, en cuanto ello comporta no concebir historietas para elegidos.

G.C.: Entiendo que cierto tipo de historieta al sofisticarse demasiado se aisló del público.

L.D.: Sí, esa historieta se ha marginado sola, enredando al lector y obligándolo a desentrañar ilustraciones y textos. Es un material pesado, que exige atención y esfuerzo. En esta etapa de mi vida pienso que el hombre no puede arreglar el mundo ni se va a arreglar a sí mismo, de modo que estoy al margen de estas inquietudes políticas e intelectuales. Para mí la historieta debe ser un entretenimiento que permita transcurrir fluidamente por sus páginas, una evasión como el cine y la televisión. Me interesa plasmar algo masivo, que guste a más gente que a menos.

G. C.: La potencia de la historieta proviene de su simplicidad e inocencia. Si se la complica con intelectualismo creo que se desvirtúa la poesía que lleva implícita en su sencillez.

L.D.: En cierto sentido estoy hablando contra mí mismo, porque soy un dibujante que ha esgrimido nuevas técnicas recargando las historietas con efectos.

G.C.: ¿Cuál es el motivo de tu actual estada de un mes en la Argentina? ¿Viniste a visitar familiares y amigos? ¿O responde a cuestiones de trabajo?

L.D.: Vine ingenuamente a pasar las vacaciones y descansar. Pero tuve tantos encuentros que viví acelerado y con muchas dificultades de horario. ¡Pienso poder descansar cuando vuelva a Los Ángeles!

Ahora bien, como el proyecto de historieta del cual te hablé me demandará un tiempo largo y no generaré ingresos, tal vez me convenga llevarlo a cabo aquí y no en Los Ángeles por razones estrictamente económicas.

G.C.: Claro, vivir en Los Ángeles es mucho más caro.

L.D.: También lo aprovecharé en un sentido afectivo, aunque esto me atemoriza. En EE:UU me he vuelto algo huraño y he vivido una vida de trabajo, no de sociabilidad, lo que me ha permitido ser más productivo.

G.C.: Pero si llegaras a regresar por un año, ¿no es factible que hagas alguna historieta de ambiente nacional?

L.D.: Es posible, pero no tengo nada en firme.

G.C.: ¿Qué pensás de la historieta argentina?

L.D.: Hoy la historieta argentina no existe. Los grandes dibujantes se han ido. Curiosamente, uno se entera que hay un prestigioso dibujante argentino que vive en España y produce algún material para la Argentina. Un artista como Alberto Breccia vive acá y vende sus historietas en Europa, las cuales no son compradas en el país. Existe sí, la editorial Columba, de quien se han reído los dibujantes y guionistas de avanzada, y la subestimaron, pero, sin embargo, la editorial Columba ha enterrado a las demás revistas de historietas y ahí continúa.

G.C.: Hay revistas porteñas que publican historietas de argentinos residentes en Europa. Para vos, ese material ¿sería nacional?

L.D. : No, es historieta europea pues está dirigida principalmente a ese público. Debo agregar que un problema muy serio aquí es la distribución. Era grave cuando me fui y ahora veo que continúa igual. La maneja una mafia que puede tomar una revista y hundirla en el segundo número porque a ellos no les conviene que surja o porque alguien les paga para que lo hagan.

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G.C.: ¿Por qué te radicaste en EE:UU si ya tenías un nombre y un lugar en el mercado argentino?

L.D.: Son muchos los motivos. ¿Querés que te los digas todos?

G.C.: Adelante.

L.D.: Lo principal es que deliraba en sueños y en la realidad con que había un tren en algún lado que se estaba yendo y yo no lo podía alcanzar. En EE:UU. alcancé ese tren. Pero esto es algo psicológico, una cosa demasiado personal quizá.

G.C.: Sí, es muy íntima, pero el símbolo se entiende.

L.D.: Puedo decir también que el país me echó. No podía aceptar que un teléfono no funcionara y encima hubiese que pagarlo; sentía que me estaban metiendo la mano en bolsillo y robándome el dinero. La corrupción y cosas como ésa me echaron.

Otro motivo es que yo estaba trabajando muy bien para muchas revistas y agencias de publicidad, y pensé qué sucedería dentro de diez años ¿seguiría haciendo lo mismo? Necesitaba algo nuevo y diferente. Por eso también me fui. Además, la situación política me echó.

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G.C.: ¿Militabas en algún partido?

L.D.: Militaba desde el tablero de dibujo, pensaba, tener una opinión era entonces peligroso, aunque no se agarrara un arma. De todas maneras, cuando me fui del país nunca imaginé lo que se iba a desencadenar. No puedo negar que tuve mucha suerte.

G.C.: ¿Pensás volver a la Argentina en forma definitiva?

L.D.: Es muy difícil contestar tu pregunta. Sería aconsejable que todo aquel que desee irse del país por muchos años supiera a qué se expone. Va a ser una persona sin hogar, sin patria y sin un lugar donde volver. Así es como me siento: desde que me fui no puedo decir vuelvo a casa. Yo no tengo casa, soy como un gitano, me da igual vivir en cualquier lado. Uno siempre es un extraño, un extranjero.

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G.C.: ¿Ese tren que una vez alcanzaste en EE:UU., no estará esperándote en tu país?

L.D.: ¿No será en Francia? O quizás tengas razón; el tren que me llevará a Francia puede ser lo que tome aquí, realizando el proyecto en la Argentina.

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De Charlando con Superman, de Germán Cáceres (Editorial Fraterna, Buenos Aires, 1988, 224 páginas).

56 años después... por Osvaldo Laino

2011-12-05T12:04:00.011-03:00

CUANDO ALGO PUEDE SALIR MAL...

Esta es una historia que estuvo callada por más de medio siglo y es una de ésas que pueden llamar la atención a más de un amigo de profesión, joven o mayor. Me refiero a un evento que todos practicamos: Exhibición de Arte, más específicamente ... Muestra de Dibujos.

Cuando nos preparamos para realizar una muestra, sabemos que demanda tiempo y mucha dedicación, con la esperanza que todo termine exitosamente. Pero no siempre es así como lo demostró mi experiencia junto a cuatro colegas de renombrado prestigio la cual terminó con un final totalmente desastrozo. ¿Por qué terminó mal? ¿Por qué fue
negativo? Ciertamente no porque las obras no lo ameritaban. Simplemente ocurrió

No son hechos corrientes, pero pueden pasar, y ésta es la historia que muchas veces me pidieron que explicara cómo pasó y por qué.
Es la historia de ...”CINCO HUMORISTAS EN LA GALERIA PICASSO”.

Todo comenzó una noche de septiembre del año 1955 y la revivimos ..

¡56 AÑOS DESPUES!

Esta nota fue publicada previamente en el blog HISTORIAS DEL PASADO, de Osvaldo Laino

Entrevista: Robin Wood

2011-11-30T15:27:00.013-03:00

Cita con la aventura

Por Germán Caceres

Nació en Paraguay en 1944, pero su madre era irlandesa. De chico se trasladó a la Argentina, donde trabajó en diversas ocupaciones antes de iniciarse como guionista de historietas.

De su encuentro con el dibujante Lucho Olivera surge su primer gran éxito: Nippur de Lagash (1967). A partir de allí se produce lo que se ha dado en llamar “el fenómeno Wood”: más de cincuenta personajes y miles de guiones.

Su obra llega a Italia en 1982, y obtiene una espectacular repercusión de público.

Alterna la profesión de guionista con su vocación viajera: Wood se considera un aventurero.

Además de la citada Nippur, entre sus series más renombradas se cuentan, Savarese, Helena, Dago, Mark, Pepe Sánchez, Kevin, El Cosaco, Dennis Martin, Jackaroe, Aquí la legión, Mojado, Or-Grund y Gilgamesh el Inmortal.

Ariel Avilez y Robin Wood -foto cedida por Avilez-

Germán Cáceres: Sé que sos un trotamundos. ¿Los viajes influyen en tus guiones?

Robin Wood: Yo era un individuo de poquísima cultura: tenía sexto grado y nada más. Cuando salí de la escuela me vi obligado a entrar en una fábrica, donde trabajé cinco años de lunes a sábados doce horas diarias. Las condiciones laborales eran espantosas y tristes. Entonces, cuando empecé a escribir guiones de historietas y al año pude ahorrar un poco de dinero, me compré una mochila y una Lettera 22 portátil, y me fui. Eso ocurrió hace muchos años y continúo viajando: me mordió el bichito. Y estos viajes me inspiran mucho más de lo que el público cree. Uno nota diferencias substanciales en la forma de ser, hablar y sentir de la gente. Las cosas que se pueden ver son infinitas y me afectan intensamente.

G.C.: ¿Dónde vendés tus guiones?

R.W.: Básicamente en la Argentina. Y después se revenden en Italia; o sea que todo lo que sale aquí, se vuelve a publicar allá. En Italia mis historietas han tenido un éxito furibundo: en estos momentos soy el escritor más leído. Aparte de eso, quiero experimentar con historietas menos masivas y de cuidada calidad que dibujarán artistas de mi elección.

G.C.: ¿Cómo serán esas historietas?

R.W.: Tendrán una extensión de cuatro a cinco páginas y se imprimirán a todo color. No sé de qué van a tratar porque todo dependerá del dibujante, ya que yo guiono en función de su estilo. Por ejemplo, jamás haría un relato sentimental para Alberto Salinas, cuyo grafismo posee un fuerte aliento épico. Cuando escribo para Alberto –como sabrás, somos responsable de Dago- lo hago pensando en su dibujo y trato de sacar lo mejor que él tiene, le doy los elementos para que pueda lucirse.

G.C.: De manera que aún no sabés de qué tratarán.

R.W.: No tengo la más remota idea de sus argumentos, lo que me ocurre con todos los guiones, pues escribo por instinto: es cuestión de empezar y después la historia sale sola. Por eso me cuesta explicar mi método de trabajo.

G.C.: ¿Por qué sólo cuatro o cinco páginas?

R.W.: Estos dibujantes tienen tremendas responsabilidades de trabajo, y si les presento un guión de diez a veinte páginas los comprometería con su tiempo. Quiero darles algo pequeño para que puedan dibujarlo con comodidad.

G.C.: Aún no me diste los nombres de los artistas.

R.W.: Tengo la suerte de poder trabajar con dibujantes que se encuentran entre los mejores del mundo. Uno es Ernesto García Seijas; hicimos juntos Helena y Kevin. Otro es Alberto Salinas: con él realizamos Dago. El tercero es Carlos Vogt, con el cual formé dupla en Mi novia y yo, Pepe Sánchez y en Mojado. Y por último, Lucho Olivera, compañero de ruta de tantos éxitos, de los que sobresale Nippur de Lagash. Fijate que cada uno es estos sólidos artistas tienen su especialidad. Siempre me imagino la obra de Lucho como de ciencia ficción bíblica; tal vez sea por Gilgamesh, una historieta logradísima, sensacional. García Seijas, en cambio, puede abordar cualquier tema.

G.C.: Estas historietas, ¿se publicarán en la Argentina?

R.W.: Pero no en Columba, porque su propuesta es otra. Quiero probar nuevos mercados, aquellos que no he frecuentado.

G.C.: ¿Se trata de un gusto personal?

R.W.: Sí, porque el otro mercado comercial lo tengo saturado. En Italia se han publicado casi todas mis historietas, y actualmente están apareciendo Dago, Helena, Savarese, Kevin, y Chindits. Por otra parte, Helena se ha convertido en una serie de televisión. Las RAI se interesó por ella y me propuso comprar los derechos, pero como no me gusta vender nada, se los alquilé, y ya se filmaron veinte capítulos.

G.C.: Ya que hablaste de un mercado comercial, ¿qué opinión tenés de la historieta? ¿Es un arte?

R.W.: Sin ninguna duda es un arte que cubre el aspecto visual y el literario. En cierta forma, se la puede definir como televisión pasiva o cine inmóvil. El montaje de la historieta es igual al del cine y la televisión.

G.C: Poseen hasta el mismo sistema de planos y de angulaciones.

R.W.: Sucede que la historieta arrastra un viejo prejuicio o fantasma: de que es para chicos. Ahora ya no ocurre, pero recuerdo que años atrás era común que un lector se paseara con un libro de Kafka y adentro de sus ropas llevase escondida una revista de historietas. A la gente le daba vergüenza leer estas revistas y las ocultaba. Hoy surgen lectores asombrosos. Por ejemplo, el director de cine Raúl de la Torre, una persona interiorizada en todos los aspectos del arte, encuentra vivificante la historieta. En Europa es una inmensa industria que mueve millones y lo mismo pasa en los EE.UU. Inclusive en la Argentina es una actividad importante.

G.C.: He notado que tus guiones, aunque son netamente historietísticos, contienen un sabor literario, ese vigor narrativo que caracterizó a Alejandro Dumas.

R.W.: Los Wood somos irlandeses, y por tanto, bardos, relatores. Contar en mi familia era algo natural. Los viejos se reunían y conversaban, y uno de ellos tomaba el hilo de la palabra para narrar. De chico recuerdo haber estado escuchando durante horas viejas historias de la colonia y anécdotas de mi abuelo en la guerra mundial. Como éste decía, los irlandeses poseemos el arte gentil de hablar de cosas amables.

G.C.: Esa calidez se refleja en tus guiones.

R.W.: Es algo que heredé de los Wood y que no proviene de ninguna formación literaria: acordate que sólo cursé hasta sexto grado de la escuela primaria. Mi cultura vino después, cuando leí intensamente.

G.C.: ¿Qué escritor pesó en tu labor?

R.W.: Todos. Calculá que leo un libro cada tres días: o sea un promedio de diez por mes. Y por supuesto todos los escritores me afectan, como también el cine y la televisión. Después de leer Por quién doblan las campanas, de Hemingway, de alguna manera interioricé sus descripciones y su ritmo narrativo. En la historieta quien más me afectó fue Oesterheld, “el grande”, el mejor que hubo.

G.C.: No creo que ningún argentino de nuestra generación deje de estar tocado por él.

R.W.: Y mucho menos en la profesión de guionista, para quienes Oesterheld está en un plano inalcanzable. Comparados con él, nosotros todavía estamos aprendiendo. Algún día espero llegar su lado, pero a fuerza de pelearla; en vez Oesterheld alcanzó la cima naturalmente.

G.C.: ¿Y además de Hemingway y de Oesterheld?

R.W.: Faulkner, John Dos Passos, muchos franceses y sobre todos los autores que aparecen en los libros de bolsillo.

G.C.: O sea la literatura norteamericana. Claro, exhibe un ritmo muy de la época.

R.W.: Los norteamericanos se mantienen al día; son rápidos, activos y ambiciosos; su producción es un relámpago y dominan el mercado literario con tirajes monstruosos: un libro para que tenga éxito debe estar escrito en inglés. Por eso los franceses están muy atrás. Hubo excepciones en habla hispana como García Márquez y Vargas Llosa. Cien años de soledad, del primero, se encuentra entre mis libros de cabecera, lo mismo que El padrino, de Mario Puzo.

G.C.: ¿Qué director de cine influyó en tu obra?

R.W.: Muchos, pero en especial Sergio Leone, el de Érase una vez en América y Érase una vez en el Oeste, la famosa saga Lo bueno, lo malo y lo feo, Por un puñado de dólares, y todos esos hermosos spaghetti western donde aparecía Clint Eastwood, siempre mirando bajo el ala del sombrero, masticando el cigarro y matando tipos como racimo. Más allá del tema infantil, asombra el dominio que tiene Leone de la belleza visual y de los enfoques. A mí me enseñó mucho en impactos: el tipo en medio de la calle, con el poncho flameando y el viento levantando bocanadas de polvo, y como fondo sonoro una música apropiada y crujidos de maderas. La historieta se nutre de estas situaciones.

Me impresionó también La pandilla salvaje, de Peckinpah, de quien he visto todas las películas.

G.C.: Los directores que nombraste son grandes narradores.

R.W.: En materia cinematográfica soy un simplista, me gustan las narraciones, no veo demasiadas películas sobre conflictos humanos. Yo voy al cine a entretenerme.

G.C.: Una corriente crítica, que se llama “cinéfila, reinvidica a los grandes maestros del cine norteamericano, como John Ford, John Huston y Alfred Hitchcok, entre otros.

R.W.: Yo incluiría ahora a Steven Spielberg.

G.C.: Es uno de los más admirados junto a Martín Scorsese, Brian de Palma, Francis Ford Coppola, Walter Hill y George Lucas.

R.W.: Es una nueva generación que volvió a las fuentes originales, a seguir las enseñanzas de filmes como Río Bravo, de Howard Hawks, y Duelo de Titanes, de John Sturges.

G.C.: King Vidor, Alan Dawn, Raoul Walsh, George Cukor y Henry Hathaway son también prestigiosos exponentes de esas raíces que mencionaste.

R.W.: A Spielberg le preguntaron cómo filmaba y él contestó que no hacía cine sino historietas. En efecto, sus películas son talentosas historietas de aventuras. Las nuevas vedettes cinematográficas como Silvester Stallone, Arnold Schwarzenegger y Chuck Norris son actores que provienen de la aventura, y responden a lo que el público desea en estos momentos.

G.C.: ¿Qué es la aventura para vos?

R.W.: Te lo voy a resumir simplemente: ¿oíste alguna vez la “Plegaria del paracaidista”?

G.C.: No la conozco.

R.W.: Dice así: “Señor, de las cosas buenas de la vida, tantos te las deben pedir, que ya no te debe quedar nada para dar. Yo te pido el desorden, el peligro y la incertidumbre; yo te pido todas aquellas cosas que nadie te pide. Pero te las pido hoy, y te las pido rápido, porque no sé si mañana tendré el coraje de volver a pedírtelas”. Así es la aventura, y yo la he perseguido toda mi vida. Fui paracaidista, y karateca durante veinte años; recorrí el mundo en tren desde Londres hasta Hong Kong, cruzando Alemania del Este, Unión Soviética, China y Mongolia, hasta terminar en Singapur y en Macao. He buscado aventuras con más afán que mujeres o dinero. Lo malo es que me he hecho adicto: quiero más.

G.C.: Uno se encuentra con narradores de aventuras –Robert Howard, el de Conan, por citar a uno-, cuyas vidas están completamente disociadas de sus ficciones: son personas rutinarias y alejadas de la realidad y del mundanal ruido. Como si su colosal despliegue imaginativo sirviera para compensar esa chatura. En tu caso sucede los contrario, vida y otra están unidas por la aventura.

R.W.: Lo que pongo en mis historietas –con las debidas limitaciones- son los acontecimientos que en cierta forma me ocurrieron. Dennis Martin corría en Pamplona: yo también lo hice y fui corneado y casi perdí la pierna derecha. Harry White era karateca. Todos los lugares donde he estado tienen cabida en mis guiones. Viví en un kibutz en Israel; fui desde Buenos Aires hasta México por tierra porque quería conocer América Latina; trabajé tres años en los obrajes y en la Ruta Trans-Chaco; estuve una temporada en las montañas del norte de Estambul. Una de mis últimas experiencias la afronté en Nepal, donde bajé por un río de rápidos que pasan por corredores de roca. Tengo la intención unir costa con costa del Amazonas; es un trayecto largo y duro y necesita bastante planificación.

G.C.: ¿En qué lo pensás cruzar?

R.W.: Creo que en barcazas. Pero debo analizar esta idea, porque soy aventurero pero no estúpido, es decir no voy a tontas y a locas a estrellarme. La aventura tiene que estar bien preparada.

G.C.: De alguna manera estás explicando tu método narrativo.

R.W.: Puede ser. Mi escritura y mi vida van totalmente compaginadas, son como dos piernas que caminan juntas. Por eso no escribo a máquina sino con birome y en cualquier lugar, ya sea en un café, en un barco, en un tren o en un avión.

G.C.: ¿Hay alguna historieta que pondrías como modelo?

R.W.: Para mí Asterix y Lucky Luke, ambas guionadas por Goscinny, son perfectas. Y en cuanto a historietas de aventuras propiamente dichas, me gustaron el Príncipe Valiente, de Harold Foster –aunque se dice que es más bien novela ilustrada-; Johnny Hazard, de Frank Robbins; Ben Bolt, de John Cullen Murphy; Rip Kirby, de Alex Raymond. Son clásicos que hoy se leen como si fueran contemporáneos. También Lared, ranger de Texas, de Schoenke.

G.C.: Hubo una línea de historieta sofisticada –tanto en el texto como en el dibujo- cuyos ecos aún perduran y que ha terminado por cansar al lector. ¿Qué pensás de ella?

R.W.: Esa sofisticación que vos mencionás no le ha hecho ningún favor a la historieta. De repente, todos se lanzaron a esa singular ciencia ficción “heroica” y emplearon el mismo enfoque: una sociedad decadente, donde el hombre se convertía en una máquina y era tiranizado. Se trataba de un punto de vista infantil y simplista que agotó al público. Porque aparece la terrible arrogancias del intelectual que se propone abrir los ojos de la masa estúpida. Pretende mostrarles el camino, la tierra prometida, la realidad de la vida. Su actitud mesiánica intenta iluminar con un mensaje. Además, esta palabra –mensaje- da la pauta de que alguien tiene la verdad y la quiere compartir con los pobres idiotas que pueblan el mundo. Y eso me parece un índice de pedantería y de soberbia.

No comparto esta visión tan desolada y pesimista. Creo que el hombre es un ser fantástico, que este mundo es magnífico, que esta vida es un privilegio, una joya –como decía Zorba, el griego- que poseemos. Y los días deberían durar cuarenta y ocho horas y los hombres vivir doscientos años. Porque nuestra corta existencia no alcanza para disfruta de este mundo bello y maravillo. Te hablan del hambre, que desgraciadamente es parte de la vida, pero también están todas las otras cosas hermosas.

G.C.: ¿Nunca pensaste escribir una novela?

R.W.: Sí. Estos años los pasé saltando montañas. Como dice un poema: “Tengo una cita con la muerte más allá de aquella colina”. Yo tenía una cita con la aventura. Y ahora- como estoy en condiciones de cambiar el plano de las colinas- quiero escribir una novela.

De Así se lee la historieta, de Germán Cáceres (Beas Ediciones, Buenos Aires, 1994, 168 páginas).

UN REFERENTE DE LA HISTORIETA GAUCHESCA: ENRIQUE JOSÉ RAPELA

2011-11-24T01:01:00.000-03:00

Por Germán Cáceres

Nació en abril de 1911 en Mercedes, Provincia de Buenos Aires, y a partir de su niñez vivió desde adentro las tareas rurales y conoció profundamente las costumbres del hombre de campo. Después de cursar los estudios primarios y secundarios administró el establecimiento de su madre “La Carolina”, en Roque Pérez, en esa misma provincia.

Rapela

Se asumió como autodidacta, y muy pronto comenzó a dibujar y a pintar hasta desembocar en la historieta. Realizó numerosas exposiciones como acuarelista, ilustró libros, y sus trabajos aparecieron en almanaques, tarjetas postales y en cajas de fósforos. Además, fue conferencista.

Su primera creación para el noveno arte salió en 1939 en el diario La Razón: Cirilo, el audaz, un guacho errante que, como consecuencia del destino adverso, ocasionó dos muertes. Debió huir para escapar de la justicia y se protegió enrolándose en el ejército rosista. La historieta –en donde la figura del Restaurador era tratada benévolamente- no tenía globos, sino que se apoyaba en un texto ilustrado por los clásicos cuadritos que seguían su propio orden, como si fuera un libro con láminas pequeñas que se hubiera adaptado arbitrariamente al género. La serie fue abandonada en 1944.

El Huinca en la revista Patoruzito, 1961.

En 1963, creó Cirilo, el argentino, para Editorial Columba, pero sus dos grandes producciones fueron El Huinca y Fabián Leyes, que aparecieron, respectivamente, en Patoruzito (1957) y en La Prensa (1964).

Según Judith Gociol y Diego Rosemberg, Huinca es “una voz indígena que significa ´hombre blanco´”. En los textos de la saga se encuentra una tendencia didáctica que explica, por ejemplo, el origen de las palabras pulpería, sangría, ranqueles. Esta línea se complementó luego en las revistas (en variados tamaños y períodos: mensual, álbum, fascículo) que llevaban el título de aquellos personajes y que publicó la editorial Cielo Sur, fundada a fines de los años sesenta por Rapela y otros socios. Allí nuestro artista escribía una sección llamada Conozcamos lo nuestro, una singular enciclopedia de terminología campestre que luego reunió en tres tomos que salieron en 1977 (y en ediciones posteriores).

Boceto e ilustración concluida, de Rapela

En los diálogos de ambas historietas se intenta reflejar el habla gauchesca y se reproducen muchas de sus expresiones. Se puede decir que ambos héroes –El Huinca y Fabian Leyes- son gemelos, pues se parecen en imagen, conducta y aventuras. Se trata de dos arquetípicos justicieros que ayudan al prójimo. El acompañante del primero es Zenón y el del segundo, Amancio. Un paisano define así al Huinca y a su ladero: “Para eyos ésa es su vida, pampa y cielo. Guadal y pajonales. Libres como el viento, alegres como los pájaros cuando nace el día”. De acuerdo a Oche Califa “en buena medida estas creaciones se inspiraron en la cultura estadounidense del cowboy”. Fabián Leyes se publicó hasta el fallecimiento del historietista.

El personaje el Huinca, como ilustración de tapa de la revista Patoruzito, 1961.

Se observa en la estética de Rapela un dibujo sobrio, aplomado, clásico, pero con grises que enriquecen no sólo la composición sino que también funcionan como ornato. Son dibujos frescos, de trazos vigorosos y oficio diestro en el uso del pincel y la pluma.

Cuando nuestro dibujante recurre a los primeros planos para registrar los diálogos, la mayoría de las veces deja en blanco los fondos para reforzar los gestos de los rostros y privilegiar el parlamento.

El Huinca, en revista del mismo nombre.

Dibujando caballos demuestra ser un verdadero maestro: no sólo se exhiben excelentes planos detalle de sus cabezas sino también del galopar de sus patas.

En principio se observa en ambas historietas una mirada despectiva hacia el indio. Por ejemplo, en el episodio “Siguiendo el rastro”, de El Huinca, los ranqueles son definidos como “bárbaros” (...) “¡Un salvaje con instintos è fiera!”. Pero en una aventura posterior –“La revolución”- son los blancos los que asaltan a pacíficas tolderías de pampas.

Ilustraciones de Rapela

En casi todos los episodios se plantea una pelea cuerpo a cuerpo con boleadoras y facones, pero, más que en las escenas de acción, el arte de Rapela se destaca en el registro de paisajes, en la ambientación de época y en los ya citados caballos. Las vestimentas y sus arrugas están representadas con increíble soltura, como también los ranchos y las diligencias. Y sabe reflejar gráficamente las llanuras inconmensurables que parecen proyectarse al infinito. En “El crédito de Casildo Gómez”, de Fabián Leyes –quien, según la presentación de la historieta, “se había iniciado años atrás como cochero de la mensajería”-, el cielo es graficado con rayas verticales de extrema sutileza.

Página de El Huinca, en Patoruzito.

En el citado episodio “Siguiendo el rastro”, una estupenda viñeta sin bordes muestra cabalgando al Huinca y sus amigos mediante siluetas negras con ligeros toques blancos que señalan la luz lunar y otorgan al conjunto un aura de filigrana. Registra con calidad los escenarios nocturnos, como se puede apreciar en el capítulo “Los desalmados”, de Fabián Leyes. Aquí también el artista ensaya ángulos más audaces, como una contrapicada de un auxiliar de comisario que yace muerto en el suelo.

Tapas de las revistas dedicadas a El Huinca y Fabian Leyes, de editorial Cielo Sur

Es una pena que en muchas oportunidades la pobre impresión y el mal papel impidan apreciar la calidad plástica de su trabajo.

Rapela conoce a fondo el oficio de guionista, aunque dada la época en sus primeras historietas era partidario de sobrecargarlas con textos superiores y globos de diálogo. Con el tiempo su escritura se torna más concisa y funcional. Las tramas están bien armadas y poseen convicción.

Página de Fabian Leyes, en revista del mismo nombre, década del 70.

Su secuencia gráfica es siempre uniforme: prescinde de las viñetas grandes y sólo da cabida a cinco o seis por página.

Es común que una especie de “Deus ex Machina” intervenga en las andanzas del Huinca y de Fabián Leyes para solucionar un problema. En “El apestao”, Zenón se enferma gravemente de “virgüela negra” y luego de no encontrar ayuda por parte de una curandera o de un hechicero, una simple mojadura de un río y el calor producido por el incendio de un pajonal lo sanan milagrosamente. Aquí, una excelente viñeta apaisada refleja en un plano general lejano al compinche del Huinca casi moribundo y disparando en una noche cerrada contra voraces perros cimarrones. Una notable labor de luces y sombras, en donde el gris de un animal se luce como un detalle exquisito de potente expresividad.

Imágenes de la sección "Conozcamos lo nuestro", realizada por Rapela.

Enrique José Rapela falleció en Buenos Aires en febrero de 1978. Como afirmó Carlos Raúl Risso era “Nada menos que un ¡Gaucho!”, a lo cual sería imprescindible añadir: ¡y un artista inmenso!

Germán Cáceres

Páginas de Fabian Leyes.

Bibliografía

Califa, Oche, “Acción y aventuras de la mano de los héroes de papel”, en http://www.lanacion.com.ar

Dao, Miguel, “Enrique Rapela: un olvido injusto”, en http://historietas-cine-teatro-por-dao.blogspot.com.

Gociol, Judith y Rosemberg, Diego. La historieta argentina/Una historia. Ediciones de la Flor, Buenos Aires, 2000.

http://allerastur.lacoctelera.net: “Gauchos: El género gauchesco ya tiene quien le cuente”.

http://aquelloscomics.blogspot.com: “La historieta criolla: Fabian Leyes y El Huinca, por Enrique Rapela”.

http://luisalberto941.wordpress.com: “El Huinca de Enrique Rapela”

Risso, Carlos Raúl, “Enrique Rapela-Nada menos que un ¡Guacho!”, en http://carlosraulrisso-escritor.blogspot.com.

La Duendes en el festival Comic Stadium (Vicente López)

2011-11-22T01:01:00.001-03:00

El domingo 20 se desarroló en Vicente López, el festival Comic Stadium, del que participó La Duendes. En representación asistieron José Massaroli, Mariano Antonelli, Taro y Nehuen.
Debemos agradecer el excelente trato de los organizadores.

Antonelli y Massaroli al momento del arribo.

Massaroli, Taro y Nehuen.

Nehuen, Taro , Clemente Montag y Antonelli.

Momento en que le entregaron un reconocimiento a José Massaroli.

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